大久保如彌 Okubo Naomi

溫室／居所

Greenhouse / Home

41.0 × 27.3 cm, 2026
壓克力顏料、未經處理畫布
Acrylic on Raw Canvas

The Landscape, Recast｜風景，重構之中

 

當代藝術中的「風景」，不只是對自然景觀的描繪，也是一種觀看世界的方法。它承載記憶、情感、文化經驗與權力結構，也映照人與環境、人與他者之間不斷變動的關係。曙畫廊很榮幸邀請來自美國的Jon Ching與日本的大久保如彌，兩位藝術家雖擁有截然不同的文化背景與創作語言，卻不約而同地將「風景」視為一種心理與社會結構的投射，透過重組、置換與建構，重新思考我們所身處的世界。 

 

Jon Ching的創作源自對生態系統的長期觀察。他以極為細膩的寫實技法，將鳥類、魚類、昆蟲與植物重新組合，創造出新的生命形式。他的畫面繁盛而神秘，表達出所有存在皆處於彼此影響的關係之中。 

 

大久保如彌則將視線轉向人的內部景觀。她的人物、溫室、花卉、織物與裝飾圖樣，共同構築出一種介於家庭、記憶與社會規訓之間的心理場域。華麗的景觀看似溫柔豐盛，實則隱含著身份焦慮、性別角色與文化期待所形成的無形邊界。 

 

風景是一種被建構的生活現場，也是一面映照個體處境的鏡子。在兩位藝術家的畫面裡，觀者得以重新辨認那些習以為常的秩序，並在熟悉與陌生之間，發現另一種理解世界的可能。 

動力文明的遺構——劉玹希的機械考古學

 

Remnants of a Kinetic Civilization: The Mechanical Archaeology of Liou Shiuan Shi

 

2026年夏初，曙畫廊將呈現劉玹希睽違兩年的個展「動力文明的遺構——劉玹希的機械考古學」。除了匯聚藝術家的全新力作，並建構一處連結技術史與當代思考的場域，使工業文明的物質痕跡於當代語境中獲得新的詮釋。 

劉玹希獨特的創作軌跡源自他紮實的機械學專業背景，長期關注技術演進與工業文明的歷史脈絡。他透過古董戰機、蒸汽火車及軍事裝置零件的蒐集與重組，發展出獨具辨識度的「機械考古學」創作。這些曾經承載動力與歷史記憶的構件，在其轉化下由功能性物件轉為具有象徵性的裝置語彙。 

 

本展以「動力文明的遺構」為核心，探討技術如何形塑人類對世界的認知，並於其退場之後留下可被再度閱讀的物質痕跡。作品透過傳動與訊號結構，隱喻時間、能量與資訊的流動，使過去與當代在同一脈絡中持續交織生成。 

 

本次展覽共展出___件作品，電子圖錄版面有限，僅擇 20 件刊載。

 

In early summer 2026, Enlighten Gallery presents Remnants of a Kinetic Civilization: The Mechanical Archaeology of Liou Shiuan Shi, the artist’s first solo exhibition in two years. Featuring new works, the exhibition creates a space that connects the history of technology with contemporary thought, reinterpreting the material traces of industrial civilization. 

 

Liou Shiuan Shi’s distinctive practice stems from his strong background in mechanical engineering and long-term interest in technological evolution. Through collecting and recomposing antique aircraft, steam locomotives, and military components, he develops a recognizable approach of “mechanical archaeology,” transforming functional objects into symbolic installations. 

 

Centered on “Remnants of a Kinetic Civilization,” the exhibition explores how technology shapes human perception and what material traces remain after its decline. Through systems of transmission and signaling, the works evoke the flow of time, energy, and information, where past and present continuously intersect. 

量子圖靈機
Quantum computer
鋁、銅
Aluminum, copper

20 x 40 x 23 cm, 2021
NTD$ 98,000

機械指揮器
Mechanical Controller

銅、鋁、鐵、玻璃
Copper, aluminum, iron

22 x 42 x 18cm, 2026
NTD$ 88,000

氣壓轉子
Barometric Rotor

銅、鋁、鐵
Copper, aluminum, iron

24 x 24 x 34cm, 2026
NTD$ 70,000

自動訊號機
Automatic Signal Machine

鋁、銅
Aluminum, copper

24 x 29 x 19cm, 2025
NTD$ 72,000

幾何海員
Geometric Seafarer

銅、鋁、鐵
Copper, aluminum, iron
16 x 44 x 13cm, 2025

NTD$ 72,000

磁暴偵測器
Magnetic Storm Detecto

銅、鋁、木
Copper, aluminum, wood

23 x 25 x 23cm, 2025
NTD$ 72,000

潮汐預報機
Tide Predictor

銅、鋁、鐵
Copper, aluminum, iron

32 x 25 x 12cm, 2025
NTD$ 75,000

薄霧與光隙之間——梁育瑄個展

 

Between Mist and Glimmers of Light — Liang Yu Hsuan Solo Exhibition

 

經歷五年的沉潛，現為師大美術博士生的梁育瑄，帶著純淨的創作能量迎來第二次個展。她以微小日常感知為起點，將光影、空氣、濕度與氣息轉化為視覺語言，將難以言詮的幽微感受轉化為感知的顯影裝置。

 

此次個展中，「霧」與「光隙」演變為意識的隱喻，透過油彩的反覆堆疊與消融，讓畫面遊走於「生成」與「消失」的動態邊界，溫度、濕度與光暈交織成感性參數，在低彩度的黑白系統中，泡泡與影子平衡出既柔軟又嚴密的內斂結構。

 

曙畫廊誠摯邀請您在梁育瑄的霧中行走，在她的光隙中停留，感受那份輕如羽翼卻又重若存在的、關於生命的靜謐重量。

 

After five years of quiet incubation, Liang Yu Hsuan—now a doctoral candidate in Fine Arts at National Taiwan Normal University—returns with her second solo exhibition, carrying a renewed and lucid creative energy. Beginning with subtle perceptions drawn from everyday life, she translates light and shadow, air, humidity, and breath into a visual language, transforming inexpressible sensations into devices that reveal perception.

 

In this exhibition, Mist and Glimmers evolve into metaphors of consciousness. Through the repeated layering and dissolution of oil paint, the images drift along the dynamic threshold between emergence and disappearance. Temperature, humidity, and halos of light intertwine as sensorial parameters; within a low-saturation black-and-white system, bubbles and shadows achieve a balance that is at once soft and rigorously restrained.

 

Enlighten Gallery warmly invites you to walk through Liang Yu Hsuan’s mist, to pause within her glimmers of light, and to sense a quiet weight of life—light as a feather, yet as profound as existence itself.

光跡
The Trace of Light
油彩畫布 Oil on canvas
116.5×72.5cm, 2026
NTD$ 175,000

循著窗光
Following the Window Light
油彩畫布 Oil on canvas
80x50cm, 2026
NTD$ 70,000

光隙-1
Glimmers-1
油彩畫布 Oil on canvas
40x100cm, 2026
NTD$ 70,000

光隙-2
Glimmers-2
油彩畫布 Oil on canvas
50x80cm, 2026
NTD$ 70,000

暖光
Warm Light
油彩畫布 Oil on canvas
91×72.5cm, 2024
NTD$ 105,000

散落-2
Sprinkled-2
油彩畫布 Oil on canvas
53x60cm, 2025
NTD$ 52,500

文/陳貺怡

(巴黎第十大學當代藝術史博士/國立臺灣藝術大學美術系所專任教授/美術學院院長)

 

真理既會在光天化日下對我們迎頭痛擊，也會在黑暗中從背後向我們突襲。

—亨利·大衛·梭羅

羅展鵬2007年出道，當時年少的他以生活週遭的人物為對象，繪製《草莓族青春日誌》系列而備受矚目，從此未曾離開「照相寫實主義」(photorealism)或「超寫實主義」(hyperrealism)的陣營。這個1972年於第5屆德國文件展正式登場的寫實主義，在50年後的今日由於數位再現技術的蓬勃發展，以及攝影影像在當代社會中扮演之無可取代的角色，不但信徒與日俱增，而且可能是今日最適合「寫實」，也就是談論何謂真實(real)，的方法之一。由於所有畫作的起點都是攝影影像，所以羅展鵬其實並非對景作畫，而他那些以出神入化的技巧摹寫的作品，也並非對所見之物的幻象式再現，反而比較是Malcolm Morley所謂的「幻象解剖學」，或是Andy Warhol的「媒體絕對主義」，在這樣的繪畫裡，攝影是不可或缺的途徑，它提供了觀看的方式與察知的條件，而「真實」才是真正的主題：由於畫家使用攝影的語彙作畫，因此提呈給觀眾的並非真實，而是Jean Baudrillard那超越或取代了真實的「超真實」(hyperreal)。這說明了畫家有意與真實保持距離，因為影像成了畫家與真實之間的阻礙，畫家呈現的只是「真實的再現的再現」。

 

所以「草莓族」的螢光絢彩只是一種表象，完美卻脆弱，無怪乎最終被陰鬱的「黑的邊緣」吞沒，然而不變的是他對「肖像」的執念：人是他主要的題材，他需要人，需要拍攝人或搜尋人的圖片，需要與他的主題之間有一種熟悉的關連。相對於攝影，繪畫提供了改變攝影的美學形式，並彰顯了藝術家選擇此一最古老的藝術媒材之意願。他以十五世紀油畫發明之初的技法「罩染法」來進行影像的改寫，甚至藉此探索從影像中逃脫的可能性。此時的他全心投入一種耗時費日的油與彩的劑量調配，透明/不透明的物質薄層之累積與堆疊，並透過這種隨著溫度與濕度改變的「有機」技法，找到連結今與昔的臍帶。他置身於畫家與材料之間的搏鬥與和解，最終體悟的是影像的虛構，與畫家存在的真實。

 

羅展鵬2020年推出的新作，包括以「罩染法」精心雕琢而出的《肖像》系列：近乎超現實，以隱喻與借喻的手法夾帶了諸多細節，充滿戲劇張力的內容似乎依舊與一絲不苟的形式互相呼應。但細看，這些畫作卻失落了完美無瑕的外觀：時而爆發時而紊亂的筆觸掃過人物美麗的臉龐、抹掉了眼睛、刮花了臉頰、堆上了一些不明所以的顆粒、顏料或噴濺流淌在畫布上，或厚厚的盤踞在不再平整的畫布邊緣。除了傳統的罩染之外，羅展鵬大量以刮除、刻掉、覆蓋、堆疊等不尋常的技法來創作，「破壞性」的操作使畫作瞬間因往返於幻象與真實之間而充滿了衝突與張力：由形到非形、完好到破壞、秩序到混亂、結構到解構、二度到三度、再現到呈現、再現的現實到材料的現實！

 

《敘利亞孩子》系列借用了媒體影像來表達他對受難者的關懷，靜止的影像帶有敘事性，但不一定有結論，畫作表現出人類生存景況的荒謬與悲慘，藝術家感同身受，但其中的畫作〈祂說—成了〉卻仍暗喻著基督的受難與祂所開闢的救贖之路。《名人肖像》系列則把目光投向那些「改變歷史的人」，不但透過廣為人知的現成影像來機械化他的畫作，更突顯了拍攝於過往的照片與繪製於當下的畫作之間的時間差距。羅展鵬在這樣的主題中努力的調度感性想像與理性觀察、繪畫美學與社會介入之間的比例，以便讓介入與疏離在他的作品中保持微妙的平衡。

 

其實，羅展鵬有長達7年的沉寂，而這漫長的年日裡，因早已身經百戰而外表堅強的他，仍經歷了人生最殘酷的考驗，但卻也有了最重大的發現。在一連串對生命的質問以及超驗式的神祕經歷中，他的意識昇華了，畫作則沉澱了，時間的厚度與重量總結成巨碑式的〈光〉以及〈時間簡史〉。這兩件作品都在畫布的上緣部署了許多微型的照相寫實主義雕塑，以便讓畫面更純粹，讓形體離開繪畫進入雕塑。如果〈光〉的畫面上仍灑落著隨時間推移的光影，和上頭的雕像共同隱喻著生與死的奧秘，〈時間簡史〉則化作兩塊斑駁而沉默的巨大石碑，乘載著藝術史與歷史的重量，任由藝術家在其中擷取每個時代的印記，並串聯起人類的過去與未來。如此，羅展鵬逐漸離開了事物輕薄的表象，轉而尋找表象掩蓋下的，直擊人心的真理與真實。

文/陳貺怡 (巴黎第十大學當代藝術史博士/國立臺灣藝術大學美術系所專任教授/美術學院院長)

真理既會在光天化日下對我們迎頭痛擊，也會在黑暗中從背後向我們突襲。

—亨利·大衛·梭羅

羅展鵬2007年出道，當時年少的他以生活週遭的人物為對象，繪製《草莓族青春日誌》系列而備受矚目，從此未曾離開「照相寫實主義」(photorealism)或「超寫實主義」(hyperrealism)的陣營。這個1972年於第5屆德國文件展正式登場的寫實主義，在50年後的今日由於數位再現技術的蓬勃發展，以及攝影影像在當代社會中扮演之無可取代的角色，不但信徒與日俱增，而且可能是今日最適合「寫實」，也就是談論何謂真實(real)，的方法之一。由於所有畫作的起點都是攝影影像，所以羅展鵬其實並非對景作畫，而他那些以出神入化的技巧摹寫的作品，也並非對所見之物的幻象式再現，反而比較是Malcolm Morley所謂的「幻象解剖學」，或是Andy Warhol的「媒體絕對主義」，在這樣的繪畫裡，攝影是不可或缺的途徑，它提供了觀看的方式與察知的條件，而「真實」才是真正的主題：由於畫家使用攝影的語彙作畫，因此提呈給觀眾的並非真實，而是Jean Baudrillard那超越或取代了真實的「超真實」(hyperreal)。這說明了畫家有意與真實保持距離，因為影像成了畫家與真實之間的阻礙，畫家呈現的只是「真實的再現的再現」。

所以「草莓族」的螢光絢彩只是一種表象，完美卻脆弱，無怪乎最終被陰鬱的「黑的邊緣」吞沒，然而不變的是他對「肖像」的執念：人是他主要的題材，他需要人，需要拍攝人或搜尋人的圖片，需要與他的主題之間有一種熟悉的關連。相對於攝影，繪畫提供了改變攝影的美學形式，並彰顯了藝術家選擇此一最古老的藝術媒材之意願。他以十五世紀油畫發明之初的技法「罩染法」來進行影像的改寫，甚至藉此探索從影像中逃脫的可能性。此時的他全心投入一種耗時費日的油與彩的劑量調配，透明/不透明的物質薄層之累積與堆疊，並透過這種隨著溫度與濕度改變的「有機」技法，找到連結今與昔的臍帶。他置身於畫家與材料之間的搏鬥與和解，最終體悟的是影像的虛構，與畫家存在的真實。

羅展鵬2020年推出的新作，包括以「罩染法」精心雕琢而出的《肖像》系列：近乎超現實，以隱喻與借喻的手法夾帶了諸多細節，充滿戲劇張力的內容似乎依舊與一絲不苟的形式互相呼應。但細看，這些畫作卻失落了完美無瑕的外觀：時而爆發時而紊亂的筆觸掃過人物美麗的臉龐、抹掉了眼睛、刮花了臉頰、堆上了一些不明所以的顆粒、顏料或噴濺流淌在畫布上，或厚厚的盤踞在不再平整的畫布邊緣。除了傳統的罩染之外，羅展鵬大量以刮除、刻掉、覆蓋、堆疊等不尋常的技法來創作，「破壞性」的操作使畫作瞬間因往返於幻象與真實之間而充滿了衝突與張力：由形到非形、完好到破壞、秩序到混亂、結構到解構、二度到三度、再現到呈現、再現的現實到材料的現實！

《敘利亞孩子》系列借用了媒體影像來表達他對受難者的關懷，靜止的影像帶有敘事性，但不一定有結論，畫作表現出人類生存景況的荒謬與悲慘，藝術家感同身受，但其中的畫作〈祂說—成了〉卻仍暗喻著基督的受難與祂所開闢的救贖之路。《名人肖像》系列則把目光投向那些「改變歷史的人」，不但透過廣為人知的現成影像來機械化他的畫作，更突顯了拍攝於過往的照片與繪製於當下的畫作之間的時間差距。羅展鵬在這樣的主題中努力的調度感性想像與理性觀察、繪畫美學與社會介入之間的比例，以便讓介入與疏離在他的作品中保持微妙的平衡。

其實，羅展鵬有長達7年的沉寂，而這漫長的年日裡，因早已身經百戰而外表堅強的他，仍經歷了人生最殘酷的考驗，但卻也有了最重大的發現。在一連串對生命的質問以及超驗式的神祕經歷中，他的意識昇華了，畫作則沉澱了，時間的厚度與重量總結成巨碑式的〈光〉以及〈時間簡史〉。這兩件作品都在畫布的上緣部署了許多微型的照相寫實主義雕塑，以便讓畫面更純粹，讓形體離開繪畫進入雕塑。如果〈光〉的畫面上仍灑落著隨時間推移的光影，和上頭的雕像共同隱喻著生與死的奧秘，〈時間簡史〉則化作兩塊斑駁而沉默的巨大石碑，乘載著藝術史與歷史的重量，任由藝術家在其中擷取每個時代的印記，並串聯起人類的過去與未來。如此，羅展鵬逐漸離開了事物輕薄的表象，轉而尋找表象掩蓋下的，直擊人心的真理與真實。

日本寫實主義——AI 浪潮下的求道者

 

Japanese Realism — Seekers of Truth in the Age of AI

 

曙畫廊非常榮幸能夠邀請台灣極具代表性的藝術家——羅展鵬，首次以策展人身份出發，於2025年初冬邀集八位日本重量級寫實菁英來到台灣舉辦展覽。

 

AI的全面崛起，使羅展鵬重新審視「人們是否還需要藝術家？」是他策劃此次聯展的契機。

 

帶著這樣的思索，2023年走訪東京多位日本寫實藝術家的工作室。在那些安靜而封閉的創作場域中，他感受到與演算法截然不同的空氣：寫實藝術家在日常、孤獨與歲月中淬鍊出的韌性、情感與專注，是筆觸背後無法被公式化的人性。

 

他意識到，日本寫實主義 之所以動人，不只因為技藝本身，更是技藝背後的「道」——心、技、體的漫長磨合，以及植根於日本美學的深層感受力。物哀的感傷、幽玄的深邃、侘寂的簡素，都讓作品超越技巧，以畫面映照生命的紋理。

 

作為策展人，羅展鵬希望藉由此次展覽提供一個深刻的提醒：「AI可以生成圖像，但無法替代人類長年修煉後與世界達成的微妙合一。寫實者的追求並非單純再現，而是以手藝保存時間、情感與生命的痕跡——這正是人類創造行為最珍貴的部分。」

 

Enlighten Gallery is honored to invite one of Taiwan’s most representative artists—Lo Chan Peng—to make his curatorial debut by bringing together eight leading Japanese realist artists for an exhibition in Taiwan in the early winter of 2025.

 

The rapid rise of AI prompted Lo Chan Peng to reconsider a fundamental question: “Do people still need artists?”—a question that became the catalyst for this exhibition.

 

Carrying this inquiry, he visited the studios of several Japanese realist artists in Tokyo in 2023. Within those quiet, secluded creative spaces, he sensed an atmosphere wholly different from algorithms: the resilience, emotion, and concentration forged through years of solitude and daily discipline—an irreplaceable humanity embedded in every stroke.

 

He realized that the power of Japanese Realism lies not only in its technique, but in the path behind the technique—the long cultivation of mind, skill, and body, and the profound sensitivity rooted in Japanese aesthetics. The melancholy of mono no aware, the depth of yūgen, and the simplicity of wabi-sabi allow these works to transcend craftsmanship and reveal the textures of life itself.

 

As curator, Lo Chan Peng hopes this exhibition offers a meaningful reminder: “AI can generate images, but it cannot replace the subtle unity between humans and the world that arises from years of dedicated practice. Realism is not merely reproduction—it is the preservation of time, emotion, and the traces of life through craftsmanship. This is the most precious essence of human creation.”

(氣息，局部)
(Detail of Breath)

小尾修 Osamu Obi
五月 May
油彩速寫、木板
Oil sketch on panel
45.5×45.5cm, 2020
NTD$ 185,000

(肖像，局部)
(Detail of Portrait)

藤田貴也 Takaya Fujita
蘋果 Apple
油彩、木板 Oil on panel
41×31.8cm, 2023-2025
NTD$123,000（含框）

毛利太祐 Taisuke Mohri
ZIP 8
鉛筆、紙、破裂玻璃 Pencil on paper, cracked glass
95.2x77cm, 2025
NTD$768,000（含框）

(ZIP 8，局部)
(Detail of ZIP 8)

(ZIP 8，局部)
(Detail of ZIP 8)

松尾奈保 Naho Matsuo
脆弱而溫柔 Fragile and Gentle
油畫、木板 Oil on panel
65x53cm, 2025
NTD$ 120,000

津村果奈 Kana Tsumura
葡萄成熟的餐桌
A Table Where Grapes Ripen
油彩、木板 Oil on panel
60.6x41cm, 2025
Sold

津村果奈 Kana Tsumura
餐桌的一瞬
A Moment at the Dining Table
油彩、木板 Oil on panel
72.7x91cm, 2024
NTD$ 163,000

以當代符號再現古典靜物美學

Reimagining Classical Still Life through Contemporary Symbols

 

小津航（b.1991，東京）畢業於東京藝術大學油畫系，並取得該校藝術碩士學位。畫作以明亮而透明的色彩層次見長，筆觸輕盈且保留微妙的「擦拭」痕跡，透過薄塗與局部擦拭製造出不完全可控的效果，呈現出一種介於顯現與隱匿之間的視覺張力。

 

展覽經歷廣泛穩健，曾於弘前磚倉庫美術館，以及東京、銀座、神戶、福岡等多處空間舉辦個展，廣受日本藏家歡迎。

 

小津的作品時常聚焦「靜物畫」、「風景畫」和「肖像畫」的核心命題，他以日本傳統與西方繪畫的交匯為創作基礎，反思如何透過畫面空間重新定位觀者與被畫物之間的視線張力。

 

Ozu Wataru (b.1991, Tokyo) holds a Master’s degree in oil painting from Tokyo University of the Arts. His works are distinguished by luminous, transparent layers of color and delicate, airy brushwork, often leaving subtle traces of wiping that create an unrestrained tension between revelation and concealment.

 

With solo exhibitions at the Hirosaki Brick Warehouse Museum and venues across Tokyo, Ginza, Kobe, and Fukuoka, Ozu has gained steady recognition among Japanese collectors.

 

Focusing on still life, landscape, and portraiture, his practice bridges Japanese traditions and Western painting, reconfiguring pictorial space to probe the shifting tension between viewer and subject.

獵兔與箭
Still Life with Dead Rabbit and Arrow
油彩、畫布 Oil on canvas
100×80.3cm, 2024
NTD$ 90,000

器皿、書籍與咖啡
Still Life with Vessel, Books, and Coffee
油彩、畫布 Oil on canvas
72.7x91cm, 2025
NTD$ 82,000

臉-查理布朗
Face- Charlie Brown
油彩、畫布 Oil on canvas
65.2x53cm, 2025
NTD$ 58,000

臉-羊毛外套
Face- Wool Jacket
油彩、畫布 Oil on canvas
65.2x53cm, 2025
NTD$ 58,000

果樹下——李娜英台灣首個展

Under the Fruit Trees—— LeeNa’s Solo Exhibition

 

這次展覽呈現李娜英兩個核心系列：「果樹」與「天鵝池」，前者取材自童年照片，她將影像中熟悉的身影抽離原有語境，帶入情緒的維度——孩子們快樂的躲藏在充滿果實、昆蟲與花草的森林場景，建構出一處沒有成人，卻充滿生命力的空間。

 

「天鵝池系列」靈感來自童話《野天鵝》與她在英國的生活經驗。她筆下的存在介於人與動物、自然與文化之間，處於永恆的變化狀態。這種身份與變形的主題，反映了李娜英對「邊界經驗」的敏銳感知。

 

李娜英使用礦物顏料、石墨與細土層層堆疊，細膩描繪「故事即將發生」的前夜感。她捕捉的是故事尚未成形前的氣味與靜度——果實尚未墜落、孩子尚未回頭、夜色尚未完全降臨的那一刻；在枝葉與目光之間，被壓低的情緒與微光，緩慢浮現。

 

This exhibition presents LeeNa’s two core series: Fruit Tree and Swan Pond. The former draws from childhood photographs, in which she extracts familiar figures from their original context and brings them into an emotional dimension—children joyfully hiding in forest scenes filled with fruit, insects, and foliage, constructing a space without adults yet brimming with vitality.

 

The Swan Pond series is inspired by the fairy tale The Wild Swans and her life experiences in the UK. The beings she depicts exist in a state between human and animal, nature and culture, caught in a perpetual process of transformation. This theme of identity and metamorphosis reflects LeeNa’s acute sensitivity to “borderline experiences.”

 

LeeNa layers mineral pigments, graphite, and fine earth to delicately depict the sense of anticipation that comes “just before a story begins.” She captures the scent and stillness of the moment before the narrative takes shape—the instant before the fruit falls, before the child turns around, before night fully descends. In the spaces between branches and gazes, subdued emotions and faint light quietly emerge.

（左）無花果與蜜蜂
Fig Tree and Honey Bee
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
53×45.5cm, 2024
Sold

 

（右）山竹 Mangosteen
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
53×45.5cm, 2024
NT$55,000

蘋果花與果實
Appel blossom and Fruit
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
60.6×60.6cm, 2025
Sold

（左）橘子樹 Orange Tree
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
45.5×45.5cm, 2023
NT$50,000

 

（右）桃樹女孩 Peach Tree Girl
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
31.8×31.8cm, 2024
NT$42,000

海棠樹與白蝶
Crab Apple Tree and White butterfly
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
40x40cm, 2024
Sold

秋夜 Autumn Night
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
80.3×80.3cm, 2020
NT$188,000

冬夜 Winter Night
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
100×80.3 cm, 2022
Sold

天鵝園 Garden of Swans
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
80x100cm, 2025
NT$205,000

花園裡的男孩
Boy in the Garden
礦物顏料、明膠、韓紙、木板
Mineral pigments and Gelatin on Korean paper mounted on wooden panel
73×73 cm, 2019
NT$120,000